專訪藝術家喬治伯恩:用馬卡龍般的戀愛色,探索當代城市空間的可能

專訪藝術家喬治伯恩:用馬卡龍般的戀愛色,探索當代城市空間的可能
Photo Credit: 紅野畫廊提供
我們想讓你知道的是

出生於澳洲的喬治伯恩,畢業自雪梨藝術學院,曾獲澳洲年度青年攝影師頭銜殊榮。在2011年決定定居於美國洛杉磯,現在以藝術家的身份拍出不一樣的洛杉磯街景,開過多次個展,本次於台北紅野畫廊展出則是首次於亞洲個展。

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「基本上,我在探索重新構造或重新定義現存城市或垃圾空間的可能,並以不同角度檢視。」——喬治伯恩(George Byrne)

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Photo Credit: 紅野畫廊提供
〈Post Truth, 2018〉

什麼樣的圖像會使你願意在影像決勝負的殘酷舞台Instagram上停留三秒並願意點擊兩下呢?在Instagram上擁有12萬多追蹤人數,長得有點像是新任蝙蝠俠羅伯派汀森(Robert Pattinson)的喬治伯恩,其實是知名女演員蘿絲拜恩(Rose Byrne)的哥哥。

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Photo Credit: 紅野畫廊提供
George Byrne

攝影作品以城市中的人造建築景象為主,色調以讓人想到馬卡龍般的戀愛色系,幾何的構圖再加上洛杉磯常出現的柏樹和棕櫚樹,由這些條件所塑造出強烈的攝影風格和不同的城市風景,讓人馬上想追蹤追起來。

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Photo Credit: 紅野畫廊提供
〈New Order, Hollywood Blvd., 2017〉

出生於澳洲的喬治伯恩,畢業自雪梨藝術學院,曾獲澳洲年度青年攝影師頭銜殊榮。在2011年決定定居於美國洛杉磯,曾經嘗試過歌手、演員等多重身分。現在則是以藝術家的身份拍出不一樣的洛杉磯街景,開過多次個展,作品登上Robb Report、ICON等雜誌封面。

而本次於台北紅野畫廊展出則是首次於亞洲個展。在現場觀看作品時,確認了他的作品以拼貼、後製等方式進行創作,但令人驚訝的是,近期他的Instagram貼文上,公開了他的作品〈White Palm〉(2015)是如何完成的,與法國藝術家Vincent Lamouroux合作,將其中一棵棕櫚樹直接用不會傷害樹木的天然塗料(Lime-Based Paint)方式整棵染白,並不是透過後製的方式。正也因此,畫面中的真實也許和我想的不太一樣。

攝影19世紀剛開始發明時,許多的構圖和內容刻意仿照繪畫的內容和主題,甚至被認為就是「真實」,1840年畫家德拉荷許(Paul Delaroche)曾說「從今以後,繪畫死了」,但經過百年後,繪畫仍沒有死去,曾經以攝影拼貼創作的知名英國藝術大師David Hockney曾說過「攝影永遠不會等同於繪畫」(Photography will never equal painting),而來到當代時,攝影沒有取代繪畫,也早已不再被認為是「真實」的再現,成為新的創作媒材,也有自己的發展課題。

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Photo Credit: 紅野畫廊提供
〈Blue Awning with Yellow, 2017〉

「後真實(Post Truth)」展出夢境般的天使之城,經常以粉紅色、綠色及黃色所組成的幾何街景,畫面拼貼上洛杉磯標誌的義大利柏樹和墨西哥扇形棕櫚樹或色塊,再加上畫面中物件不同的陰影角度,給予觀者一種奇幻的氛圍。

因為這系列的畫面中幾乎抽離大城市的人流,拍攝的是隨處可見的都市角落即被被遺忘的垃圾空間而難以分辨位置,城市的疏離感搭配上夢幻的粉色系,我詢問喬治伯恩這否是一種批判,他回答我說:「我不確定這是否算是批判,但我很肯定的是,我不打算以真實的形式來呈現一個特定的場景。」

在VOGUE LIVING Australia的訪談中也提到了從澳洲來到美國生活,面對不同文化以創作的角度來說,是否有些影響?他認為在美國,不同新聞媒體串流中,人們面對不同版本的真實。我問到畫面中柏樹和棕櫚樹有什麼象徵意義時,他回答:「對於這個城市而言,它們代表著移殖及暫時性,它們都和我一樣不源自於加州。因此,也許我們有一種志同道合的精神。」

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Photo Credit: 紅野畫廊提供
〈East Hollywood Carpark, 2016〉

喬治伯恩的作品不是追求布列松(Henri Cartier-Bresson)的「決定性瞬間」,精通拍攝大自然,但城市街道景觀的風格強烈為人熟知,主題受美國70年代中期的新地景攝影(New Topographics)概念啟發,例如愛德華魯沙(Ed Ruscha)的加油站、貝歇夫婦(Bernd and Hilla Becher)的水塔等。

他拍攝不起眼的人造建築,但卻沒有繼承其「客觀性」和冷俊的色調,而是主觀的將拼貼技法應用於幾何色塊及構圖線條凸顯平面感,融合了立體派、達達主義和極簡主義等現代主義的特點,彷彿是繪畫創作。

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Photo Credit: 紅野畫廊提供
〈99c Culver City, 2016〉

當我問他怎麼界定他的攝影作品和繪畫,以及日後是否有攝影媒材之外的計畫時,他回答道:「我認為最近的一些創作在繪畫和攝影之間的未知空間搖擺,我非常享受這個實驗。就未來的計劃而言,我會想嘗試繪畫,只是需要換一間更大的工作室。」可見他的創作也加入攝影和繪畫多年來的討論之中,尋求找到一個自身的立論基點。

最後我問到了有關攝影藝術家和Instagram的關係以及他的經營方式時,他回我:「在與畫廊合作之前,我一直在Instagram推廣自己的作品並直接銷售,是經濟收入的支柱,同時也讓我能辭掉工作,專注於藝術創作。現在,Instagram信息更像是創作的紀錄。經營的現實面,像其他任何事情一樣,要做好它相當費事。」

可以從他的經驗中鼓舞許多攝影愛好者,因為Instagram是個可以被大眾看見的大平台,而身在當代的我們幸運的可以在手機上欣賞並且給予反饋,但在親臨亞洲首次個展的現場後,獲得的震撼當然又是不同的體驗,許多的細節透過不同的觀賞載體會有不同的發現,當然這也是藝術家在創作時需要考慮和設想到的,能不能讓你願意在藝術品前專注超過在手機上的時間呢?

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Photo Credit: 紅野畫廊提供
〈71st St, Miami., 2019〉
展覽資訊
  • 藝術家 Artist | 喬治.伯恩 George Byrne
  • 展期 Duration | 03.08.2020 - 04.05.2020
  • 地點 Venue | 紅野畫廊 Powen Gallery(台北市中山區松江路164巷11號,10:00-19:00 週一休館)

責任編輯:王祖鵬
核稿編輯:翁世航