《滾石雜誌》嚴選100首披頭四經典歌曲:20-1

《滾石雜誌》嚴選100首披頭四經典歌曲:20-1
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《滾石雜誌》百大披頭四歌曲的第20到第1名歌曲介紹。

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文:Ami.W

*第91到100名歌曲請點此、第65到90名歌曲請點此、第64到41名歌曲請點此、第40到21名歌曲請點此

20.〈Please Please Me

主要創作人:約翰藍儂
錄製時間:1962年9月11日,11月26日
發行時間:1963年2月25日
連續13週排行榜第3名

根據藍儂對〈Please Please Me〉的描述,他說這首歌的靈感來源是「結合了Bing Crosby以及Roy Orbison的音樂」;而〈Please Please Me〉同時也是披頭四首張登上英國排行榜冠軍的單曲。藍儂是在他的阿姨家寫下這首歌,他在幾年後曾提到這件事情:「記得那天床上還鋪著粉紅色的床單,我坐在床上一邊聽著Roy Orbison唱著〈Only the Lonely〉還是什麼的,突然就有了靈感;我只要每次一聽到歌詞『Please, lend your little ears to my pleas』就覺得很有意思(註:出自Bing Crosby在1932年的歌曲〈Please〉),我喜歡please這個字的雙重意義。」

麥卡尼則說:「想像一下將〈Please Please Me〉的節奏放慢,那就是約翰寫這首歌的方式;有著大量的高音,典型的Roy Orbison音樂特徵。 1962年9月11日,披頭四在EMI錄音室向喬治馬丁表演了〈Please Please Me〉,這是他們第二張專輯錄製計畫的其中一首歌。林哥稍後回憶道:「當時我們一群人在錄歌時;我除了負責大鼓外,一手還得拿著沙鈴,另一手則是要拿著鈴鼓。」而林哥也懷疑喬治馬丁可能就是在那個時候,決定在當天錄製〈Love Me Do〉時雇用一名新的樂團鼓手。

喬治馬丁不是很喜歡〈Please Please Me〉的原曲,他形容慢板的〈Please Please Me〉就像是首「輓歌」。他建議樂團將這首歌的演奏速度變快,並搭配較有活潑的音樂編排。喬治馬丁一開始顯然對披頭四的音樂並不是很喜歡,這位製作人就曾說:「首先,他們那個時候寫出來的歌曲完全就是一堆垃圾;我第一次聽到他們一些作品後,心想:『天啊!我該怎麼弄首好歌給他們?』後來我們就推出《Love Me Do》和《P.S. I Love You》作為首張單曲,這跟寫百老匯音樂的Cole Porter的作品很不同,對吧?」

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《Love Me Do》很快地便成為一支暢銷單曲,迫使披頭四趕緊回到錄音室,繼續下一首歌的發行計畫。他們在11月26日回到艾比路音樂室,當時喬治 馬丁要求團員下一首歌是發行Mitch Murray所寫的作品〈How Do You Do It〉,然而披頭四則希望能唱他們自己的作品;但這名音樂製作人始終認為披頭四的創作比不上Mitch Murray的歌曲。

事實證明喬治 馬丁當初的決定也算是正確的,因為由Gerry&the Pacemakers樂團所演唱的〈How Do You Do It〉,在隔年便成為音樂排行榜冠軍。最終披頭四不僅選用〈Please Please Me〉作為新單曲,還採納喬治馬丁的建議;除了加快歌曲節奏外,並加上一段口琴吹奏,用來模仿哈里遜開頭吉他riff的部分。

有了這項新改變,披頭四在音樂上彷彿發現新大陸。麥卡尼就說:「我們把旋律加快後,突然間整個披頭四的精神都出來了!」藍儂則是表示:「我們很開心在一開始的時候沒把歌曲速度加快,才能讓這個錄製計畫出現。」而林哥用鼓具打出具有推動力的強拍,也讓喬治馬丁承認他錯估林哥的鼓藝。

新版的〈Please Please Me〉充滿著讓人難以抗拒的活力,以及男方對女方相當大膽的性需求!但是也因為太過於積極,Capitol唱片公司便禁止這首單曲在美國發行;只因有些人將歌詞解讀成是對口交的一種歌頌,所以芝加哥的Vee-Jay label最終也就沒有發行〈Please Please Me〉。某天當樂團錄完音時,喬治 馬丁還在錄音室用對講機向披頭四說:「各位,你們在剛剛已經獲得首支排行榜冠軍單曲。」

〈Please Please Me〉是樂團在達成四項冠軍單曲大滿貫的第一個作品,隨後也在英國開始掀起披頭四狂熱。因為單曲賣得太好,Brian Epstein索性直接就讓披頭四做起他們的首張專輯,在1963年2月11日花了33個小時後完成;而在隔天,他們立刻開始進行以單曲〈Please Please Me〉為名的巡迴演唱會。

不過這首歌最大的肯定應該是來自藍儂的咪咪阿姨,她在一開始聽到〈Love Me Do〉時,一度認定外甥的樂團應該沒有未來。直到聽了〈Please Please Me〉後,她告訴藍儂:「這首歌還比較像樣點,挺不錯的!」

19.〈Lucy in the Sky With Diamonds

主要創作人:約翰藍儂
錄製時間:1967年2月28日至3月2日
發行時間:1967年6月2日
未發行單曲

藍儂始終否認〈Lucy in the Sky With Diamonds〉是首關於藥物使用的歌曲,他在1970年就曾向滾石雜誌說:「我向上帝、毛澤東、還是隨便哪個人發誓,我完全不知道這首歌的名字能拚成LSD!」歌曲的靈感,來自他四歲的兒子朱利安當時在學校裡畫下坐在隔壁的女同學Lucy O’Donnell,藍儂則說:「他還在畫裡的天空補上幾顆星星,整張畫的名字就叫Lucy in the Sky With Diamonds,如此而已!」

某天早上藍儂和麥卡尼正在喝茶時,也順便讓他看了這張畫;於是兩人決定將這幅畫的名字取為新歌歌名。〈Lucy in the Sky With Diamonds〉充滿了藍儂對兒童奇幻文學,例如「愛麗絲鏡中奇遇」的熱愛;他想到歌詞「kaleidoscope eyes」,麥卡尼則是想到「cellophane flowers」和「newspaper taxis」;後來他們還在歌曲裡使用俏皮語當作韻腳,營造出迷幻的氛圍之餘,也創作出媲美Lewis Carroll原著的作品。

藍儂曾在1980年表示:「這些意象是來自愛麗絲夢遊仙境,只是我們把故事抽換成了『愛麗絲船遊仙境』;故事就是她買了一顆蛋後,那顆蛋竟然變成了蛋頭先生!市場女店員也變成一隻羊,接著下一分鐘他們全坐在小船上划著船這就是我的想像。」

藍儂在他位於威布里治的住處寫歌時,常花很多時間一個人獨處,讓自己的感受麻木於搖搖欲墜的婚姻、看電視以及嗑藥的日子裡;〈Lucy in the Sky With Diamonds〉的出現對他來說就像是一道曙光。他在1980年曾對這首歌解釋道:「這首歌還包含一個女性的意象,我相信這個有著魅惑雙眼的女孩,在某天會從天而降,前來拯救我脫離這一切;結果那個人就是洋子!雖然在當時我還沒遇見她,不過這首歌應該得稱為〈Yoko in the Sky With Diamonds〉。」

不幸的是,歌曲中的Lucy O’Donnell早已在2009年9月死於狼瘡,享年46歲。過了幾個禮拜後,朱利安藍儂為了紀念他的同學,還特別發行了一張公益單曲《Lucy》;至於他小時候的那張原稿圖,目前則是為Pink Floyd吉他手David Gilmour所有。

Timothy Leary博士介紹LSD 。Photo Credit : AP/達志影像

有趣的是,當Lucy O’Donnell首次聽到〈Lucy in the Sky With Diamonds〉時,她告訴周圍朋友她就是那個Lucy,卻都沒有人相信她;直說這首歌講的是LSD。Lucy後來沒向朋友們辯駁的原因,則是因為:「我完全不知道LSD是什麼?如果他們知道這件事的話,我會覺得好丟臉!」

18.〈Tomorrow Never Knows

主要創作人:約翰藍儂
錄製時間:1966年4月6日、7日、22日
發行時間:1966年8月8日
未發行單曲

曲風帶著極大實驗性的〈Tomorrow Never Knows〉是《Revolver》專輯的最後一首歌,卻也是披頭四最先錄製的專輯歌曲;更是藍儂對於能用LSD逃離世俗一切感到最快活的時候。在嘗試迷幻藥的過程中,藍儂首次感受到完全擺脫現實生活與樂團名聲的經歷,他和團員在〈Tomorrow Never Knows〉裡,再度重現當時狂喜的狀態,並加入自我省視的概念。

〈Tomorrow Never Knows〉的出現,讓五個月前才發行的專輯《Rubber Soul》,其帶點詩意的境界和純樸的現代思想,在一夕之間就顯得有點過時。專輯《Revolver》的其他歌曲,和有著持續的蜂鳴低音、磁帶迴路音效,以及猶如靈魂出竅歌聲的〈Tomorrow Never Knows〉相比下,在錄製過程中似乎也隨之起了變化;足以聽見披頭四以音樂人和創作者的身分,透過迷幻藥和流行歌曲的形式,去追求一種心靈上的解放;而將歌曲放在專輯最後,似乎也是再適合不過的決定。

而在《Revolver》裡,如果說〈Eleanor Rigby〉、〈I’m Only Sleeping〉、〈Love You To〉、〈She Said She Said〉是披頭四往未知方向走去的大膽創作,那〈Tomorrow Never Knows〉就是他們盡情放手一搏的表現。

事實上,現今流行音樂的取材藝術,就是從這首歌開始。在1966年1月,藍儂在經歷迷幻旅程時,看到一本名為《The Psychedelic Experience》的書。這本書是由LSD提倡者Timothy Leary、Richard Alpert和Ralph Metzner所合著的LSD使用手冊,內容根據佛教思想做一連串衍伸,還提到西藏生死書裡的轉世及自我意識之死的概念。正當藍儂嗑著藥,已經感到飄飄然之際,他正一邊弄著錄音機,一邊讀著《The Psychedelic Experience》裡的文字;以此作為靈感,他立即節錄書裡的內容寫成了歌曲,歌詞包含他在脫離現實後,其美妙狀態的敘述。而在一開始時,他則是將歌名取為「虛無(The Void)」。

其他團員的加入對〈Tomorrow Never Knows〉的形成更是錦上添花,他們僅嘗試3次就想到利用林哥不間斷的鼓擊,來確保歌曲的旋律性;至於他在歌曲裡所使用的技巧,則是出自於麥卡尼的建議。披頭四一共花了將近10個小時的時間,從4月6日晚上一直到隔天清晨,才錄製完整首歌。〈Tomorrow Never Knows〉有著倒播的吉他solo、哈里遜縈繞不止的西塔琴聲,以及藍儂猶如漂浮在感知世界另一端的聲音,每個環節在音樂上都是極為顯著的特徵。至於林哥所打出的類似塔布拉鼓的新奇鼓聲,則是他打著兩個音調被調鬆的高架鼓,透過壓縮其鼓聲,再用回音的方式將聲音放出來。

喬治哈里遜和他的西塔琴老師拉維香卡。Photo Credit : AP/達志影像

另外磁帶迴路音效的部分,則是團員們使用磁帶合成器(Mellotron,又稱魔音琴)做出笛子和弦器的音色;而歌曲中一直來回穿梭的海鷗叫聲,則包含兩個部份:一個是將麥卡尼的笑聲做過調整後出來的音效,另一個則是經由處理過後的西塔琴聲。

藍儂希望自己在歌裡的聲音顯得獨樹一格,便在錄音室向工作人員要求:「我想要我的聲音聽起來,就像是達賴喇嘛在很遠的山頂上誦經!」於是錄音師Geoff Emerick就將他的聲音放在轉動的萊斯里音櫃揚聲器上,原先揚聲器是接著艾比路錄音室裡的一台哈蒙德電子琴。成品一出,藍儂原本帶點鼻音的聲調,瞬間轉為空靈般的禱念;約翰一聽到這樣的結果,反覆直呼:「這真是太不可思議了!」麥卡尼也非常開心道:「這是達賴藍儂啊!」

儘管這首歌在4月22日時,已完成最終的母帶配音,但是歌名還是使用另一個暫時的名字:Mark 1;最後則是由林哥無意間說出新歌名字。就像〈A Hard Day’s Night〉一樣,〈Tomorrow Never Knows〉這個名字是出自這位鼓手的口誤,把原本的「tomorrow never comes」誤植,至於「Tomorrow Never Knows」這一句在歌詞裡從未出現。

17.〈Ticket to Ride

創作人:約翰藍儂-保羅麥卡尼
錄製時間:1965年2月15日
發行時間:1965年4月19日
連續11週排行榜冠軍

〈Ticket to Ride〉是披頭四在1965年2月15日時,為了樂團的第二部電影《Help!》的原聲帶,所錄製的歌曲。藍儂曾說這首歌,是「最早期的重金屬歌曲之一」。「這首歌的重節拍,讓它在當時聽起來算是很新潮的作品!如果你去看一下那個時候的音樂排行榜,在聽過那些歌之後,你就會覺得〈Ticket to Ride〉聽起來其實並不差!整個歌曲的錄製和鼓聲節拍都相當強烈,這就是我喜歡它的原因。」藍儂在1970年向滾石雜誌說道。

在之前的《A Hard Day’s Night》和《披頭四 for Sale》專輯裡,藍儂一向都是使用木吉他;但這次在〈Ticket to Ride〉裡,他則是決定採用電吉他。歌曲用帶點響鐘式的12弦riff作為開場,其主歌的吉他伴奏就隨著林哥帶點groove的鼓聲下慢慢展開。這樣的音效或許也算是受到當時在英國也同樣大紅大紫的Rolling Stones、the Who以及Kinks樂團的影響;但披頭四仍舊在這場樂團殊死戰中遙遙領先。

〈Ticket to Ride〉也是樂團首支歌曲時間超過三分鐘的作品,而藍儂在歌曲裡的情緒也是隨著歌詞有著極大的高低起伏;主歌時他在矛盾與絕望間擺盪,卻在加速的間奏時發出憤怒之聲(She oughta think right, She oughta do right, By me)而另外的驚喜之處在於歌末的淡出音效,可以聽到藍儂用較高的聲音,唱著和前面的旋律與節奏完全截然不同的橋段「My baby don’t care」。

在歌末彈著旋繞般吉他音色的麥卡尼就曾說:「我們應該是最早發明淡出音效的樂團,這麼做在那個時候已經算是很先進了!」

當時披頭四做音樂的目的,已經變成是為了要發行專輯或單曲,而非只是單純寫歌而已。所以他們會在錄音室裡進行歌曲錄製時,嘗試用其他方法來呈現歌曲。他們不再像以前一樣,先在現場唱完後挑一段最好的take,再配上和聲或獨奏;反之他們則是先從一段節奏開始,再慢慢編排東西進去。

也因為這樣,團員幾乎沒有多餘的時間來錄製〈Ticket to Ride〉,整首歌包含母帶配音,僅花了三個多小時完成。麥卡尼說:「這首歌工程浩大,但還好結果還算不錯!」〈Ticket to Ride〉也成為樂團新的主題曲,他們在BBC廣播的最後一個特別節目,就是用「The BEATLES(Invite You to Take a Ticket to Ride)」來命名。

藍儂常說麥卡尼在這首歌裡扮演的角色微乎其微:「他的貢獻就像林哥在披頭四裡打鼓是一樣的概念!」然而麥卡尼則是反駁,自己是和藍儂一起坐下來,在藍儂家花了3個小時的時間才把歌曲寫出來的。

〈Ticket to Ride〉歌名的典故眾說紛紜,最直接了當的解釋就是來自火車票。當披頭四在1965年11月為了歌曲拍攝宣傳短片時,他們站在一個巨大的車票看板前,對嘴唱起這首歌。不過英國報社記者Don Short,則是說歌名的由來出自於他和披頭四某次經過德國漢堡的紅燈區時,看到路上的妓女必須要持有健康證明書,這樣當地的衛生所才能發給它們一張卡片,上頭會載明無用藥紀錄或其他疾病的內容。約翰在那個時候便告訴Don Short他自己編了一個新詞叫「a ticket to ride」來稱呼這種卡片。

麥卡尼則提供了比較無害的版本,只說這是他們取自懷特島上一個叫做Ryde的小鎮,把鎮名拿來改編罷了。另一個更有可能的說法,則是藍儂在錄製〈Ticket to Ride〉的當天,因為拿到了汽車駕照,所以才有這個名字的出現。

16.〈I Saw Her Standing There

主要創作人:保羅麥卡尼
錄製時間:1963年2月11日
發行時間:1963年12月26日
連續11週排行榜第14名(B面單曲)

1962年某天晚上,麥卡尼開車回到他位於利物浦住處的途中,腦子裡就有了這首〈I Saw Her Standing There〉的雛型。一開始他想到的歌詞,是「She was just 17, She’d never been a beauty queen」。隔天他向藍儂提起這首歌時,麥卡尼回憶道:「我們彈到一半突然停下來,彼此都覺得beauty queen這句不是很好,要把它改掉;所以我們就按照字母順序一個一個想:between、clean、lean、mean…;最後我們決定用『you know what I mean』,改成這句很好;因為事實上,你完全不知道我在說什麼!」

儘管藍儂在歌曲裡的貢獻程度不明,對此他曾說自己幫忙寫過幾句歌詞;〈I Saw Her Standing There〉仍舊是著名的藍儂-麥卡尼合作經典。在1962年9月,由麥卡尼的弟弟麥克麥卡尼在保羅家的客廳所拍下來的一張照片裡,可以看到這兩位音樂人各拿著一把木吉他,面對面坐著;藍儂戴著他最討厭的眼鏡,在學校的筆記本上隨手寫下歌詞;麥卡尼則是一邊抱著他的Zenith木吉他,一邊寫歌,而那也是他人生中的第一把吉他。

1961年12月,麥卡尼在新布萊頓的Tower舞廳,看到他17歲的舞者女友Iris Caldwell,正穿著網襪大跳扭扭舞,於是就成為〈I Saw Her Standing There〉這首歌的靈感來源。Iris Caldwell曾說:「我和Paul曾經交往過一陣子,不過那也只是互相曖昧罷了!我們並沒有很認真的對待彼此的感情關係。那個時候我在很多不同的劇院裡工作,也和很多人約會;但是只要我一回家,我和Paul就會一起出去玩。我們從來沒給過對方任何愛的承諾。」

Paul Mccartney和他當時的女友Jane Asher。Photo Credit : AP/達志影像

Iris Caldwell的哥哥則是利物浦搖滾樂團Hurricanes的主唱Rory Storm,當時該樂團的鼓手則是在1962年8月離開,正式加入了披頭四,這個人就是林哥史達。Iris Caldwell曾表示麥卡尼原本想將這首〈I Saw Her Standing There〉給Rory Storm來唱,但卻被Brian Epstein拒絕。

〈I Saw Her Standing There〉原本歌名為〈Seventeen〉,在1962年成為Bealtes現場表演的必備曲目,他們有時在台上一唱就是唱到十幾分鐘,中間會搭配團員們的吉他solo。麥卡尼在樂團演唱會上,把一段Chuck Berry在1961年單曲《I’m Talking About You》的bass彈奏借用來放在歌裡「我是完全原音重現那個部分,和我們的歌意外的相當搭配。」他說。

至於提到要將歌曲放入披頭四的首張專輯《Please Please Me》裡,喬治 馬丁則是考慮讓他們直接在Cavern Club裡,面對當地的觀眾唱現場,然後錄音。儘管他沒安排披頭四在EMI的艾比路錄音室裡錄製歌曲,但是列出來的歌單,卻也足以呈現樂團的現場音樂表演。為了要營造氣氛,麥卡尼在專輯一開頭就喊著:「one-two-three-faw!」,接著開始了〈I Saw Her Standing There〉。整首歌呈現出披頭四當時青春無敵的狀態,其拍手聲和充滿活力的「ooohs」,在之後的歌曲如〈She Loves You〉也同樣用上。〈I Saw Her Standing There〉也是哈里遜首次在披頭四專輯展現個人吉他solo的曲子,還成為《I Want to Hold Your Hand》的B面單曲,一舉登上美國音樂排行榜。1964年2月9日,當披頭四一行人面對全美7300萬觀眾,在電視節目艾德蘇利文秀上表演時,〈I Saw Her Standing There〉也在表演歌單裡頭。

藍儂曾形容〈I Saw Her Standing There〉是首「保羅一如往常的好作品,不過會被喬治馬丁嫌得要死」的歌曲,但這首歌卻在他的後半生產生極大的意義性。1974年,藍儂和艾爾頓強打賭如果他的〈Whatever Gets You Thru the Night〉能拿到排行榜冠軍,藍儂就得擔任艾爾頓強演唱會的現場嘉賓。這首有著艾爾頓強的和音以及鋼琴彈奏的曲子,果然成為藍儂的個人首支奪得排行榜冠軍的作品。他在11月28日時實現諾言,親自出席了艾爾頓強在紐約麥迪遜花園廣場的演唱會。

藍儂在準備唱最後一首歌前,曾向觀眾說道:「現在我們要來唱首……我那目前和我有點疏遠的前未婚夫保羅的作品!」,接著就和艾爾頓強共同唱了〈I Saw Her Standing There〉,一起結束了當晚的演唱會。藍儂之後曾說,當晚他只是想找點樂子,好好彈點帶有rock & roll的歌曲;而〈I Saw Her Standing There〉也成為他最後一首在演唱會上公開表演的歌曲。

15.〈Help!

主要創作人:約翰藍儂
錄製時間:1965年4月13日
發行時間:1965年7月19日
連續13週排行榜冠軍

〈Help!〉是披頭四為了樂團的第二部電影所寫出的同名主打單曲;不過在一開始,這部電影原本是希望由英國喜劇演員Peter Sellers來主演。至於歌曲本身所呈現出的絕望感,則是真實的情感流露「我是講真的!這幾年發生在披頭四的一切,遠遠超乎我的理解範圍!」藍儂在1970年告訴滾石雜誌,特別是他在歌詞提到「And now my life has changed in oh-so-many ways, My independence seems to vanish in the haze」。

到了1965年,藍儂對於樂團無止盡的巡演、專輯錄製和電影拍攝行程已感到非常厭倦;他的私生活同樣也出了狀況,與妻子辛西亞以及兒子朱利安共處在倫敦郊區的住宅時,藍儂卻有種坐困愁城的感受。

麥卡尼曾說:「辛西亞曾和我提過,她想讓約翰就這麼安定下來,直到老去;我當時就覺得,這麼做完全是幫倒忙!我了解約翰,那不是他想要的生活。」而哈里遜則是表示藍儂對於自己的外表,漸漸也開始變得偏執!藍儂曾說:「我以前曾經像隻豬一樣,瘋狂地大吃大喝,這應該算是我的肥胖貓王時期!我真的感到很絕望,急著想找人來拉我一把。」

相反地,麥卡尼則是在這波搖擺倫敦風潮裡,過著如魚得水的生活!他當時和出身顯貴的女演員Jane Asher交往,讓他得以一窺上流社會的風貌,還同時認識了其他的女孩。麥卡尼過了幾年後曾說:「約翰非常嫉妒我,因為他沒辦法像我這樣逍遙!那個時候約翰和辛西亞的婚姻關係出現很多裂痕,但他唯一能做的就是待在家裡,掩飾住他們之間的感情;卻又毀於一旦。」

絕大部分的〈Help!〉是藍儂在家裡所寫下的,後來他才找了麥卡尼幫忙;兩人一起在藍儂家樓上的房間花了幾個小時的時間,將〈Help!〉完成。原先藍儂敲定〈Help!〉是首中板節奏的抒情歌,不過後來團員們在錄音室決定重新編排,加上哈里遜衝浪吉他般的lick,以及林哥勢如破竹的高架鼓奏和應答輪唱的角色轉換後,便成為〈Help!〉的歌曲特色。藍儂曾坦言自己不喜歡這樣太過花俏的安排:「我們為了要賣專輯,結果把歌曲節奏弄得太快了!」

即便連電影的拍攝也不想以前那樣有趣「《Help!》的電影拍攝完全呈現失控的狀態!之前在《A Hard Day’s Night》,裡面有很多半寫實故事情節的內容;可是在《Help!》裡,(導演)Dick Lester根本沒告訴我們在電影裡要做什麼!」藍儂曾向花花公子雜誌透露道。

Ringo Starr在電影中的扮相。Photo Credit : AP/達志影像

不過團員們也坦承他們無法投入電影,並非全然是導演的錯。林哥則說:「我們在電影拍攝期間抽了非常多的大麻;如果你仔細看過我們幾個畫面,就會發現我們的眼睛常常佈滿血絲!那就是我們呼麻後的證據。」藍儂也說:「那時候我們把吸大麻當作是吃早餐一樣,拍攝期間沒人能跟我們認真地講到幾句話;因為我們只會在自我的世界裡,一直露出呆滯的眼神和不斷地傻笑。」

14.〈She Loves You

創作人:約翰藍儂-保羅麥卡尼
錄製時間:1963年7月1日
發行時間:1963年9月16日
連續15週排行榜冠軍

1963年7月1日的下午,披頭四正準備要在EMI的艾比路錄音室裡開始錄製〈She Loves You〉時,場外卻是一團亂糟糟。根據當時還是錄音室助理,後來成為披頭四錄音師的Geoff Emerick回憶道:「那時候錄音室外面聚集了一大群的女孩,只為要看披頭四一眼;她們不但把前門撞壞衝了進來,還一邊發出歇斯底里的尖叫聲,一邊爭先恐後在走廊上跑著;那些追著她們的倫敦警察甚至一度喘不過氣來!」

這起事件也意外讓披頭四因禍得福,讓團員們能迅速地做出這首相當受到人們歡迎的輕快單曲。Geoff Emerick說:「那場暴動也算是帶動了樂團在演奏歌曲時的活力!」藍儂和麥卡尼是坐在巡演的車子裡時寫下這首〈She Loves You〉,他們曾在紐卡索的某間土耳其旅館創作出許多歌曲,兩人就這樣各別抱著把木吉他,坐在兩張單人床上開始寫起歌來。歌詞一開頭便用第三人稱敘述,再套用典型的「I-love-you」情歌公式;至於這樣的靈感是來自Bobby Rydell在英國排行榜的冠軍單曲《Forget Him》。「整首歌不是由我們的觀點出發,而是透過某個人帶來的消息為主;這種刻意營造出的距離感,其實還蠻有趣的!」麥卡尼說。

然而,他們認為歌詞似乎還是少了什麼。藍儂提到:「我們寫〈She Loves You〉的時候,還是希望再加進一些東西,所以就有了『yeah, yeah, yeah』這個部分。我完全不知道我們是怎麼想到的,記得以前像Lonnie Donegan唱過、貓王在〈All Shook Up〉裡也用過。」團員在麥卡尼的家裡完成這首歌,當他的父親一聽到〈She Loves You〉後,便和麥卡尼說:「兒子啊!你們的歌裡已經有太多美國人的東西了;就那麼一次也好,不能唱『Yes, yes, yes』嗎?」-麥卡尼則是回他:「爸,你不了解!那樣根本行不通。」

〈She Loves You〉的歌曲架構也呈現出披頭四做為音樂創作人和編曲者,在音樂上的精心安排;它在一開始時便使用副歌當作開頭,取代用第一段主歌做額外效果,而這是來自喬治 馬丁給團員們的建議。至於副歌最後那段特別的和絃,則是來自哈里遜的主意,一開始他向喬治 馬丁提出時,喬治馬丁認為這樣聽起來會有點「俗氣」。麥卡尼則說:「喬治馬丁一開始以為我們在和他開玩笑,但如果不這麼做的話根本行不通;所以我們堅持把它留下來,而他最後也被說服了。」

1963年10月13日,當披頭四在倫敦的Palladium劇院裡錄製獨立電視台的Sunday Night節目,就以〈She Loves You〉做為樂團表演的結束;而這首歌也被視為是披頭四狂熱的引爆點。1960年代,披頭四始終在音樂上引領風潮,而〈She Loves You〉也一直是英國音樂近十年最熱賣的單曲。

13.〈Revolution

主要創作人:約翰藍儂
錄製時間:1968年7月10日和11日
發行時間:1968年8月26日
連續11週排行榜第12名(B面單曲)

在1968年春天,全世界正面臨動盪不安的局勢;首先是越戰爆發,再來就是美國著名人權主義者馬丁路德遭到刺殺;而遠在歐洲的巴黎,也出現反抗法國政府的罷工潮和學運。而對於越戰向來直言不諱批評的披頭四,終於也在5月下旬時,於艾比路錄音室錄製了相關歌曲;這首歌就是收錄在白色專輯裡的〈Revolution〉,也是團員們首次提及政治的音樂作品。

藍儂在1970年曾告訴滾石雜誌,自己想發表一些對於革命的看法:「我想是時候該他媽的說清楚講明白了!就像我們過去和Brian Epstein一起巡演時,沒停止發表過對越戰的意見;現在則是直接了當的表明:『這次我們要認真來談點關於戰爭的東西,而不只是隨便閒聊而已』!」

法國1968學運。Photo Credit : AP/達志影像

初版的〈Revolution〉是首緩慢又帶點藍調節奏的歌曲,稱為〈Revolution 1〉,至於母版的歌曲最後6分鐘,後來則是被剪掉,成為〈Revolution 9〉。在7月10日那天,他們將〈Revolution〉加上了電吉他的部分,也就是我們現在熟知的版本,最後也成為《Hey Jude》的B面單曲

〈Revolution〉伴隨著藍儂在開場時激烈的吉他彈奏(這段他是參考自Pee Wee Crayton在1954年的藍調單曲《Do Unto Others》),一直到歌曲尾聲的嘶吼,整首歌也算是披頭四最具硬式搖滾的一首作品。錄音師Phil McDonald曾說:「約翰很想要在歌曲裡使用那種失真的音效,所以就將吉他和混音機接通,但其實沒人敢這麼做!因為那完全會超載整個聲道,還好那些技術人員沒發現;他們可是不贊成類似的『儀器濫用』!」

要辨別出兩個不同版本的〈Revolution〉,關鍵就在於歌詞裡一個具有決定性的單字。原本在〈Revolution 1〉的歌詞,是「When you talk about destruction, Don’t you know that you can count me out … in.」-麥卡尼後來特別提到,藍儂會同時使用out和in這兩個字眼,是為了嘗試唱起來的各種可能性。等到披頭四做好最終單曲版本,他們決定改成「count me out」。

當時有些主流媒體就稱讚藍儂如此明確的立場,像Time雜誌就認同這首歌對於「全世界激進分子」的評論;但偏左派的媒體卻持反對意見,例如Ramparts雜誌就曾說改過歌詞後的〈Revolution〉,是首「極具背叛性」的作品。而藍儂在1980年曾說:「〈Revolution〉的歌詞在現代仍舊通用,它們還是代表著我對政治的看法:如果把這一切推翻後,接下來人們會做什麼;又有什麼樣的解救方針?我的意思是,難道我們就不能實際點嗎?跑去炸華爾街幹嘛?如果你想改變整個體制,那就去改!反過來射殺人民,那一點幫助都沒有!」

12.〈Norwegian Wood(This Bird Has Flown)〉

創作人:約翰藍儂-保羅麥卡尼
錄製時間:1965年10月12日和21日
發行時間:1965年12月6日
未發行單曲

〈Norwegian Wood (This Bird Has Flown)〉有著搖滾樂長久以來的靈感來源:性。就像藍儂曾直言不諱表達:「我在瞞著妻子的情況下,試著用歌曲講述一段外遇關係。那完全是我的經驗之談,發生在某個女孩住處裡的事情。」伴隨著哈里遜的西塔琴彈奏,〈Norwegian Wood〉是披頭四在受到Bob Dylan影響後,另一首具有內省性的歌曲。

藍儂一開始就使用搖滾樂少見的歌詞聯句做為開場:「I once had a girl, Or should I say, she once had me」;他細述和一位都會女子在深夜密會的情節,對方不僅擁有自己的事業,還邀請男方過來喝杯酒;而她和披頭四早期作品裡所描繪的理想對象,有著很大的不同。

之後麥卡尼進一步做出解釋,在60年代的搖擺倫敦,那時的女孩們都非常喜歡用挪威松木來裝飾自己的房子;他曾向傳記作家Barry Miles提到:「〈Norwegian Wood〉有點像在嘲諷那些愛用挪威松木裝潢公寓的女孩;挪威松木雖然是一種非常便宜的家具材料,但真的不太適合拿來做為歌名。」

Photo Credit : AP/達志影像

儘管歌曲的靈感是來自和粉絲一夜情的內容,卻也是特別的成人愛情故事。在倫敦當時的時代背景下,藍儂於女方住處過夜、在浴室中醒來。他受到女方的誘惑後,接受她的帶領,不安地坐在地毯上;直到女孩說:「It’s time for bed」。在歌曲隱晦的文字暗喻下,藍儂的妻子辛西亞藍儂大概是唯一聽不懂整首歌意思的人。當藍儂在隔天清晨獨自起床,隨後升起了一把火那代表著他最後燒了女孩的住處嗎?藍儂從來沒正面回應過,至於麥卡尼則是認同這項說法。

1980年,藍儂向滾石雜誌宣稱〈Norwegian Wood〉絕對是他個人的作品:「要說掛名創作的話,Paul是幫忙寫了中間那一段。」但根據麥卡尼所說,當時藍儂只帶著第一段主歌,就找他來幫忙:「那就是他全部寫出來的東西了!其他像是歌名那些的,就完全都沒有。」

哈里遜首次的西塔琴演奏也是歌曲一大亮點,然而那是來自於在錄音室的某個實驗階段。藍儂在1970年就向滾石雜誌表示:「喬治剛拿到一把西塔琴,我問他能不能在這首歌裡彈上一段?但因為他才剛學西塔琴,不太確定能不能彈得出來;不過最後他還是願意嘗試看看。」

在電影《Help!》裡,有一幕是印度樂手在餐廳裡彈奏披頭四歌曲的畫面;就是在那個時候,哈里遜發現了西塔琴這個特別的樂器。他出自好奇,後來也買了一把西塔琴玩玩,卻彈不出所以然來!最後他終於向西塔琴大師Ravi Shankar學習彈琴,連帶也引起他對東方宗教和哲學的好奇,進而變成終生追求的目標。

哈里遜曾在1990年代回顧這首歌時,曾形容〈Norwegian Wood〉裡的西塔琴音樂,是「相當初階的彈奏」他說:「那個時候我完全不知道怎麼調整曲調,而且那把琴也是個便宜貨。」但他也指出:「不過我們的調調就是這樣。每個人都能接受新的點子,我們聽了很多類型的音樂,例如Stockhausen的作品、前衛音樂等;大多數這些東西都是融入我們音樂裡的元素。」

〈Norwegian Wood〉一發行後,立刻興成一股仿效旋風;Brian Jones就曾在滾石樂團的〈Paint It, Black〉裡,秀上一段西塔琴riff。

Bob Dylan則是用模仿〈Norwegian Wood〉的方式,寫出〈4th Time Around〉,藉此戲謔藍儂的作品,該曲則收錄在他的《Blonde on Blonde》專輯。藍儂為此曾在1968年向滾石雜誌坦言:「我開始變得疑神疑鬼了起來!」,因為其他團員曾經拿這首歌揶揄他學Bob Dylan的音樂,讓他突然變得十分敏感;而藍儂也非常害怕Bob Dylan是拿〈4th Time Around〉這首歌來取笑他-「他問我覺得〈4th Time Around〉這首歌如何?我回他自己不太喜歡這首歌。」儘管藍儂隨後表示自己很欣賞這個作品,不過到後來也不見他有類似的創作出現!(譯註:或是「不再戴著那頂狄倫帽了!」原文:Although lennon said he later appreciated the song, he did stop wearing his peaked “Dylan cap.”。)

11.〈A Hard Day’s Night

主要創作人:約翰藍儂
錄製時間:1964年4月16日
發行時間:1964年6月26日
連續13週排行榜冠軍

〈A Hard Day’s Night〉以搖滾樂史上最招牌的和絃彈奏作為開場:就是那第一聲用12弦吉他所彈奏出來的爆發音,連帶也讓當時的披頭四狂熱衝到了最高點。在電影《A Hard Day’s Night》裡,有著這首歌曲的襯托下,搭配團員活力充沛的演出,以及歌名所表達出的疲憊感;簡潔有力的記錄下披頭四的迅速崛起。

喬治馬丁曾說:「那一段時間,主題曲和結尾曲都是由我負責規劃;我們需要在歌曲裡放些讓人能感到驚豔的東西!」而在專輯錄製時,藍儂隨手彈的一段開放和弦便成為這首歌的亮點「他真的是無意間彈出那個和弦的!我們一聽到就決定用它了!」喬治馬丁表示。在2001年2月的訪談裡,哈里遜則說那一段和弦是「在F和弦上再加入G和弦,但你得問保羅關於bass的部分,才會知道的比較詳細!」;至於麥卡尼則彈得是升D和弦。

歌名則是來自林哥無心插柳的一句玩笑話,他回憶道:「我們白天都在忙著錄製歌曲,直到入夜;於是我突然想到現在還是白天,就說了一句:『It’s been a hard day….』結果發現天已經黑了,又加了這句『… ‘s night!』。」當藍儂將整句話給導演Richard Lester看了之後,便立即成為他們的電影名稱;剩下的就是團員們根據這個名字寫出一首歌。麥卡尼曾說:「我和約翰常常想著要如何取歌名;一旦有了好名字,歌曲就算已經完成一半了!就像〈A Hard Day’s Night〉一出現,大概就可以掌握歌曲的走向了。」

藍儂在專輯錄製前便寫下這首歌,他在當時已滿一歲的兒子朱利安的生日卡背面,隨手寫了幾句歌詞;而樂團也僅花了3小時的錄製便大功告成。另一個歌曲亮點就是哈里遜的吉他solo,就在1980年有段流出的bootleg,裡面有著他一開始在〈A Hard Day’s Night〉裡不熟練的吉他彈奏,既失準又落拍。不過等到錄製當天晚上10點,大夥兒準備要結束之際,哈里遜早已能彈出這個不斷環繞而上的活躍旋律;至於那猶如教堂鐘聲般的音效,則是他模仿喬治馬丁的鋼琴彈奏所彈出來的。錄音師Geoff Emerick曾說:「喬治常花很多時間在吉他solo的編寫上,對他來說這些片段都不簡單,算是有一定的困難度。」

哈里遜也負責最後淡出音效的部分,那段琵音則是出自喬治馬丁的建議;喬治馬丁曾說:「那也是為了電影而寫的橋段,我一再和他們強調寫出合適歌曲的重要性;那段琵音沒有真正結束,反而是不停地響著,這麼做才能接續下一段情境。」

10.〈While My Guitar Gently Weeps

創作人:喬治哈里遜
錄製時間:1968年9月5日、6日
發行時間:1968年11月25日
未發行單曲

〈While My Guitar Gently Weeps〉的歌詞,讓這個作品成為喬治哈里遜極佳的披頭四歌曲,整個創作過程則是起源自一則刻意營造出的機遇。1968年2月到4月,哈里遜在和其他人一起待在印度瑞詩凱施靈修時,便於過程中創作出許多個人的作品;但是這首歌曲填詞的部分,卻是等樂團回到英格蘭後,才開始進行。他受到易經內的相對原則影響,決定從他父母家的書櫃隨便抽出一本書,並隨意翻到任一頁,首先看到哪個字就決定以此寫歌詞;最後他就看到了這句「gently weeps」 (這一詞的來源可能是來自Coates Kinney在1849年發行的詩集,裡面收錄的這首詩《Rain on the Roof》,其內容為「And the melancholy darkness, Gently weeps in rainy tears」)

儘管披頭四在發行前六張專輯時,就已經錄製過哈里遜的幾首作品;不過這位吉他手的創作仍然未獲得約翰藍儂和保羅麥卡尼正式的認可。藍儂過去曾就哈里遜的部分說道:「喬治有一陣子寫的歌其實沒有那麼好,但是大家都不敢說破,那段時間其實還蠻尷尬的。不過我們還是一如往常的繼續錄製。」

Photo Credit : AP/達志影像

收錄於合輯《Anthology 3》的〈While My Guitar Gently Weeps〉,是樂團在1968年7月25日時錄製的原始版本。這個版本比較像是哈里遜個人獨唱的原聲版,並在最後的時候加入額外的主歌,較接近哈里遜原本的demo版本。接下來第二版的〈While My Guitar Gently Weeps〉,加入其他團員的演奏以及藍儂的風琴,於8月16日和9月3日錄製,他們在歌裡運用了磁帶轉速的手法,還結合了沙鈴聲以及吉他solo倒播的部分。

9月5日,當時樂團正準備錄製第三次電吉他版的〈While My Guitar Gently Weeps〉前,剛好遇上喬治馬丁出國休假;而第三版則是加入藍儂的主奏吉他,以及林哥強烈卻不穩的節奏感,整個歌曲編排變得非常格格不入。哈里遜之後曾說:「他們完全不把它當一回事;那天晚上我一回到家,就想著:『這真是太糟蹋這首歌了!』因為我知道這首歌很棒。」

隔天,哈里遜載著Eric Clapton從薩里開到倫敦,靈光乍現想到能讓其他人重視〈While My Guitar Gently Weeps〉的方法:就是讓Eric Clapton加入。但是一開始時,Eric Clapton斷然拒絕這項邀請「從來沒有其他音樂人在披頭四的歌曲裡表演過啊。」哈里遜回憶當時Clapton所拒絕的理由。不過哈里遜回他:「聽著,那是我的歌。我想要你在錄音的時候加入我們。」。

等到這位嘉賓一進錄音室,其他人的態度瞬間變得認真了起來;麥卡尼唱起和音時就像是特別受到啟發。正如哈里遜所說:「我把其他人帶進錄音室後,看到他們在那一瞬間突然變得很友善,實在是件很有趣的事情;只因他們不想讓別人知道自己有多惡毒。」Clapton帶有豐沛情感的吉他彈奏,很快就帶出整首歌的味道,並在當晚就結束歌曲的錄製。Mick Jagger曾在2002年告訴滾石雜誌他對這首歌的看法:「〈While My Guitar Gently Weeps〉是首美麗又哀傷的作品,只有吉他手才能寫出這樣的歌曲,我個人非常喜歡。」

Clapton身為哈里遜的好友之一,其實差一點就要取代哈里遜在披頭四的位置了!當哈里遜在《Let It Be》專輯計畫期間短暫離團時,藍儂就曾說:「如果到了星期二他再不回來的話;我們就得叫Clapton過來了。」

9.〈Come Together

主要創作人:約翰藍儂
錄製時間:1969年7月21日至23日、29日至30日
發行時間:1969年10月1日
連續16週排行榜冠軍

〈Come Together〉原先是作為Timothy Leary在1970年角逐加州州長選舉的競選歌曲。這位LSD專家和他的妻子Rosemary,曾在1969年6月受到約翰藍儂和小野洋子的邀請,前往蒙特婁的床上靜坐和平運動,並一起錄製歌曲〈Give Peace a Chance〉;之後藍儂就詢問Leary,自己是否可以為他的選舉活動略盡棉薄之力。

他告訴滾石雜誌:「Leary夫婦希望我為他們寫首競選歌曲,而他們的標語就叫『Come together』。」當時藍儂就做了一首他宣稱「適合大家一起唱的歌曲」,後來Leary就將demo帶拿到當地幾個電台上播放。不過藍儂想要再從歌詞著手,寫出不同於競選歌曲版的〈Come Together〉;他說:「我之前一直抽不出時間認真地來寫這首歌,反而是直接拿Come Together這名字來譜曲。」當他將這首歌帶入《Abbey Road》專輯計畫,錄製後的結果要比最終版的要來得快,而且從歌曲一開頭的歌詞「Here come old flat-top」,便聽得出是在模仿Chuck Berry於1956年發行的歌曲〈You Can’t Catch Me〉。

Timothy Leary博士在一場對抗Dow Chemical Co.製藥公司的抗爭中談話。Photo Credit : AP/達志影像

事實上在《Abbey Road》專輯發行不久之後,Chuck Berry的經紀公司便控告披頭四侵犯歌曲版權,整起訴訟於1973年在雙方達成共識下結案,藍儂最後同意在他的個人專輯裡錄製三首對方經紀公司的歌曲,包括在《Rock’N’Roll》專輯的兩首Chuck Berry作品,以及《Walls and Bridges》專輯裡翻唱Lee Dorsey的〈Ya Ya〉。

保羅麥卡尼曾在《The beatles Anthology》一書裡提到他對這首歌所給的建議:「我說:『不如我們把整首歌的速度放慢,再加進大量的貝斯和鼓的伴奏。』貝斯的部分是由我想到的,之後的一切就都從這裡開始了。」藍儂則是表示副歌的最後一句「over me」,是故意模仿貓王的;歌詞內容則是滿滿的雙關語、圈內笑話,以及他在錄音室偶爾會編造的「行話」。至於他在第二段主歌最後所唱的「One thing I can tell you is you got to be free」,是整首歌最明確地想傳遞出的訊息。不過對於藍儂來說,〈Come Together〉帶點慵懶感的節奏才是最重要的部分:「〈Come Together〉是首很有律動感的歌,是我最喜歡的披頭四作品之一;這種帶著一點搖擺樂的感覺,我還算唱得不錯。」

經過披頭四在《Let It Be》後的敵對狀態,很難想像他們還會再聚首一起完成創作。喬治馬丁曾說:「如果要我選一首最能代表這四個有著不同才華的年輕人,聚在一起做過最好的作品;那就是〈Come Together〉了。原版有著約翰的歌聲就已經很不錯了,接著又加上Paul那一段很棒的riff,以及林哥搭配合宜的鼓奏,這些全部醞釀出約翰唱出『shoot me』時的氛圍;最後在配合上喬治的吉他彈奏。他們四個人合在一起,比他們自己個別的創作,要好得太多、太多了!」

〈Come Together〉是披頭四齊聚一堂後寫的最後一個作品;也是樂團精神的最後一現。

8.〈Let It Be

主要創作人:保羅麥卡尼
錄製時間:1969年1月25日、26日和31日,4月30日;1970年1月4日
發行時間:1970年3月11日
連續14週排行榜冠軍

1968年,保羅麥卡尼一仿美國靈魂樂女歌手Aretha Franklin的唱詩班風格,在白色專輯計畫期間寫出了這首〈Let It Be〉;至於Aretha Franklin翻唱的版本還比披頭四的原本要更早推出。歌詞開頭第一句「When I find myself in times of trouble, Mother Mary comes to me」,是來自某次麥卡尼夢見他已逝的母親Mary告訴他的一段話,安撫著麥卡尼承諾一切事情會變得好轉起來,我不太確定她在夢裡有沒有說過Let It Be,不過這句話算是總結了她的忠告。」麥卡尼說。

在當時,披頭四彼此間也出現了一些問題。在長達一個月的預演拍攝和現場專輯錄製,已激勵團員們想回到一開始他們組團時的狀態,披頭四曾一度逼退製作人喬治馬丁,藍儂就曾對他說:「我才不要你那後製的鬼東西!我們要的是一張原音呈現的專輯!」最終,效果不甚理想。團員們甚至把之前錄製專輯時就已存在的嫌隙,轉變成公開的敵對狀態。

藍儂就對〈Let It Be〉不感任何興趣,並曾在歌曲情感流露的地方開玩笑說:「在唱solo的時候,我們其他人要一起開始傻笑嗎?」不過樂團後來還是在1969年1月31日,於蘋果錄音室裡先初步錄製了歌曲。

在結束影片拍攝後,披頭四交給錄音師Glyn許多磁帶,讓他合併成一張專輯,名稱則暫取名為《Get Back》。喬治哈里遜並不喜歡約翰所挑的〈Let It Be〉版本裡,他自己的吉他solo;於是他又另外錄了一段,將吉他聲透過萊斯里音櫃揚聲器放出來,用新的版本取代舊的〈Let It Be〉;而這段有著顯著顫音的吉他solo,最後為整首歌畫下完美句點。

1970年初,剛好是原版錄音過了將近一年;麥卡尼、哈里遜和林哥又再度聚首為幾首歌曲做最後的修飾,〈Let It Be〉也在名單裡頭。此時的藍儂其實早在《Abbey Road》專輯錄製後,就已經退出披頭四;並和小野洋子一起在丹麥旅行。麥卡尼取代藍儂的貝斯部分,哈里遜又再另外錄一段solo(用於專輯混音),而喬治馬丁則是在歌曲裡加入銅管樂的橋段,並由哈里遜、Paul和琳達麥卡尼一起唱合聲。

藍儂在和製作人Phil Spector合作單曲《Instant Karma!》時,便對他印象深刻。於是在1970年3月,藍儂和披頭四的經紀人Allen Klein便找來Phil Spector幫忙完成這些1969年1月錄製的帶子「我們那時候丟給他一堆爛到不行的專輯錄音,不過他還是把東西做出來了!」藍儂曾說。

在〈Let It Be〉單曲發行之後,Spector也用同樣的磁帶,做出這首同名歌曲的混音,並掛名為單曲製作人;但麥卡尼隨後則表示Spector的〈Let It Be〉,是首「聽起來很糟糕」的版本。藍儂則是比較偏愛還沒被「Spector弄得體無完膚」的〈Let It Be〉備用混音。Spector後來則說當時團員們的相處模式就像是「打仗」一樣,認為自己身處在那樣的氛圍下,已交出不錯的成績。他曾這樣說道:「如果歌曲聽起來像是一堆垃圾,那就算我頭上;如果單曲很成功,那就是披頭四的功勞。」

最終《Let It Be》於1970年3月11日正式發行。一個月過後,也就是4月10日;麥卡尼順勢發行他的首張個人專輯,宣告披頭四已經正式解散。

1970年4月10日,披頭四的歌迷聽聞保羅麥卡尼離團的傳聞,聚集在蘋果工作室門口。Photo Credit : AP/達志影像

7.〈Hey Jude

主要創作人:保羅麥卡尼
錄製時間:1968年7月29日至8月1日
發行時間:1968年8月26日
連續19週排行榜冠軍

〈Hey Jude〉創作靈感是來自約翰和辛西亞藍儂的五歲兒子朱利安「Paul以前和我常常玩在一起。他比我父親還要更親近我。」朱利安說道:「或許在當時,Paul就是屬於能和孩子們走得比較近的人。」

辛西亞和約翰的婚姻破局後,麥卡尼就曾來拜訪她,他在開車的路上便想到了朱利安「我一邊開車,一邊開始嘟噥地唱著『Hey, Jules…』;後來我想,Jude這個名字更適合拿來當作歌詞,唱起來有種西部鄉村調調!歌詞一開始是為了給朱利安加油打氣用的,我想要讓他知道:『嘿!小夥子,你的父母離婚了,所以你很不開心;不過一切都會沒事的!』」

〈Hey Jude〉也可以視為是麥卡尼在面臨與Jane Asher的情變,以及披頭四內部紛擾的自我慰藉作品。這首歌的錄製時間是在白色專輯製作期間,剛好碰到團員們在音樂上各自意見分歧的時候。

麥卡尼、喬治 哈里遜和林哥史達對於約翰的新女友小野洋子,一直在團員錄製音樂時出現在一旁感到相當不滿。錄音師Geoff Emerick也因為團員常常爭吵不斷而決定退出;再來喬治馬丁對於團員在不同錄音室錄音,在當中往返感到疲於奔命,索性拋開他們出國度假,把剩下幾週專輯錄製的部分都交給他的助理Chris Thomas打理。林哥接著也短暫離開樂團兩星期,是披頭四首位離團的成員。

藍儂第一次聽到〈Hey Jude〉時就覺得非常喜歡,他以為麥卡尼是唱給他聽的,講述關於他和小野洋子間的感情;以及他和麥卡尼間緊繃的合作關係。至於他在〈Hey Jude〉的貢獻,麥卡尼提到是在歌詞這句「The movement you need is on your shoulder」;藍儂堅稱這是他所寫的,並表示:「這句是裡面最好的一句歌詞。』。另外藍儂也曾在1980年表示,〈Hey Jude〉是麥卡尼的傑作之一「我每次聽到這首歌,就想到洋子。保羅就像是在唱著:『Hey, Jude — hey, 約翰』,不自覺的對我說:『離開我吧!別回來了!』」。

樂團在〈Hey Jude〉錄製期間,雇用了36人制交響樂團,請樂手們跟著歌曲一起拍手合唱,為的是要加強整首歌曲的氣勢;但是其中一位樂手並不喜歡這項作法。喬治馬丁回憶當時那位樂手的反應是:「我才不要一邊拍著手,一邊唱著保羅麥卡尼那什麼爛歌。」並接著說:「他說自己的那張工會會員卡,上面標示的可是小提琴手!接著就走出錄音室了,把大家都嚇了一跳!」

披頭四內部在錄製期間也出現了問題:麥卡尼希望哈里遜在彈吉他時,盡量把音調降低,不然會擾亂到主歌的部分。麥卡尼後來表示:「喬治不太能理解這樣的作法。雖然我這麼做確實是有些蠻橫,但那也是我處在壓力之下,另一種大膽的音樂嘗試。」而當正要開始錄製歌曲時,麥卡尼沒留意到林哥人還在浴室;雖然鼓具等樂器來得有點晚,但所幸林哥最後奮起直追,在對的歌曲時間點出現。

原本〈Hey Jude〉是預定在四分鐘內結束,但最後還是多出了三分多鐘。樂團原先並沒有超時的打算,但是由於麥卡尼到最後唱得太忘我,以至於完全無法停下來「我整個人一直不斷地唱著『Judy Judy Judy — wooow!』;就像著火的Cary Grant一樣!」麥卡尼說。

〈Hey Jude〉也是樂團在蘋果唱片公司時期所發行的首支單曲,連續19週登上排行榜冠軍,是披頭四作品當中成績最好的一張單曲;也是樂團歌曲時間最長的作品,總長約7分11秒。喬治馬丁則是不太滿意這項結果,他認為歌曲時間這麼長,電台不會願意播出;不過藍儂則是回他:「如果是我們的歌,他們就會播。」

6.〈Something〉

主要創作人:喬治哈里遜
錄製時間:1969年4月16日、5月2日和5日,7月11日和16日,8月15日
發行時間:1969年10月1日
連續16週排行榜第3名

1969年2月25日,正逢George Harrison 26歲生日之際,他在EMI錄音室錄了3個demo帶;〈Old Brown Shoe〉他錄了兩次,後來成為《Let It Be》的B面單曲,另外一個則是〈All Things Must Pass〉,收錄在他於1970年發行的個人同名專輯。後來他也嘗試另一首歌曲的錄音,是他在1968年趁著白色專輯錄製時的空檔,搭配鋼琴譜寫而成的歌曲〈Something〉。

錄音師Glyn Johns就曾說:「George的創作一直都沒有受到太大的重視,所以他要我在其他人離開時,留下來幫他錄demo帶。當時他整個人友善到不行,彷彿認為自己是把這項要求強加在我身上;等到他一彈了〈Something〉,我當下只覺得這真是好聽極了!」

Harrison起初認為〈Something〉琅琅上口的旋律,是因為他在其他地方聽過類似的音樂-「因為我想這首歌太簡單了!所以就暫時沒去碰它,結果一放就放了6個月。」

一開始的歌詞「Something in the way she moves」,是來自James Taylor在1968年於蘋果唱片公司發行的首張出道單曲。Harrison曾參與過James Taylor的專輯製作,並在另一首歌曲裡唱和音-「在我的腦海裡,〈Something〉這首歌就像是Ray Charles會唱的歌。」Harrison說。不過在當時,他始終不認為這是首匹配得上Beatles作品的歌曲。他甚至一度把歌曲交給Joe Cocker來唱!

直到他最後終於向其他團員們呈現〈Something〉後,他們都非常喜歡這首歌。Lennon曾說〈Something〉是專輯當中最好的作品;McCartney則是表示這首歌是Harrison寫過最棒的作品。George Martin後來也說:「這首歌真是超乎我的想像!主要是因為我從來沒想到George能寫出這樣的作品。籠罩在John和Paul這兩個人的光芒下,他能一路做到這樣真的很不簡單!畢竟他是如此的孤立無援。」

團員們也一起花了幾個月的時間,協助〈Something〉的整個錄製和編排直到完美;過程中Harrison反客為主,化身音樂總監,告訴McCartney如何處理貝斯的部分。錄音師Geoff Emerick就說:「George以前從來不敢指揮Paul做東做西的,那次真的算是史上頭一遭!」

等到最後錄製階段,Harrison也和George Martin一起討論歌曲裡整個弦樂的編排,並重新錄製了他個人吉他solo的橋段,將兩者做出完美的結合。

〈Something〉最終打進排行榜第三名,並成為繼〈Yesterday〉後,翻唱次數第二多的歌曲;例如Ray Charles就真的在他1970年的專輯《Volcanic Action of My Soul》裡,翻唱了這首作品。而儘管Frank Sinatra曾誤認〈Something〉是Lennon和McCartney的作品,仍然形容這首歌是「過去50年來最偉大的情歌作品」。

提到Harrison,George Martin曾說:「因為他知道自己不是樂團的首要作曲者,所以始終對自己的作品感到很不安;這也迫使他在音樂上一直很努力的去嘗試各種事物。」

最終這位吉他手以一曲〈Something〉,向其他團員和全世界證明了他卓越的創作才華。

5.〈In My Life〉

創作人:Lennon-McCartney
錄製時間:1965年10月18日和22日
發行時間:1965年12月6日
未發行單曲

〈In My Life〉代表的是John Lennon在歌曲創作上,一項決定性的突破。這首歌始於他在1964年3月接受記者Kenneth Allsop專訪時,被問到為何他從不寫太多關於他個人的故事以及人生經驗。於是Lennon在1970年曾告訴滾石雜誌:「我在寫流行歌曲的時候,會保持著專業作曲者的態度;我會透過寫作,例如《In His Own Write》這本書,去表達出我的個人情感。過程中我會把自己,和那個寫大眾歌曲的John Lennon區別開來。那些流行歌曲其實並沒有什麼深度;只是純粹娛樂大眾罷了!」

不過Lennon確實把Kenneth Allsop的評論謹記在心,所以他寫了一篇長詩,將記憶中利物浦的人們和去過的地方,全部寫了下來;當中包括當地著名景點Penny Lane、Strawberry Field以及Menlove Avenue。他曾表示:「之前我坐巴士進利物浦市中心時,車上的廣播只要每到一個地方,就會念出當地的站名,我就是在這樣的情況下寫了一些詞。」-不過等到後來他再細讀詩的內容-「我覺得裡面的內容真是無聊極了;就像是我在假日為了打發時間而寫出來的東西!根本不管用。後來一直到我靜下心後,這些東西才慢慢喚起我過去來到這些地方的回憶。」.

Lennon和McCartney兩人一起創作過的歌曲無數,〈In My Life〉也讓兩人始終無法區別各自寫了哪些部分。根據Lennon表示,整首歌的歌詞是Paul在尚未聽到歌曲前,就已經完成;Paul則是負責和聲和間奏的部分。但是McCartney則是說,Lennon只完成第一段主歌。

某次他們在Lennon家進行〈In My Life〉的創作時,過程中歌詞一改再改,目的就是希望能將原本偏向個人性質的歌詞內容,改編成比較廣泛的定義;例如Lennon寫的這句歌詞「some are dead and some are living」,指的就是已故的前Beatles貝斯手Stu Sutcliffe,而這句歌詞依舊被保留在歌曲裡。McCartney也表示自己還借用了Lennon的電子琴,譜了一段曲;旋律靈感以及開頭的吉他彈奏都是受到Smokey Robinson的啟發。

儘管歌曲的原創是誰已不可考,但〈In My Life〉仍舊代表著Lennon身為音樂人的創作昇華,他曾說:「我開始在寫歌時和自己有了連結,而不是客觀地去寫一首歌;我想是Bob Dylan的音樂讓我了解到這點。」

Beatles在1964年初期就已經是Bob Dylan的頭號粉絲,他們曾在演唱會的空檔,不斷彈奏《The Freewheelin’ Bob Dylan》專輯當中的歌曲。當Bob Dylan和Beatles於8月相見歡時,最為人知的就是他首次將大麻介紹給團員們。其實他一直以為Beatles早已抽過大麻菸,只因他誤將〈I Want to Hold Your Hand〉裡的歌詞「I can’t hide」,聽成「I get high」。Bob Dylan與大麻,讓Beatles脫離稚嫩的拖把頭時期,做出他們首張相當出色的專輯《Rubber Soul》。

Lennon曾表示在《Rubber Soul》專輯發行之前-「我們都是在做類似Everly Brothers和Buddy Holly風格的流行音樂。」-他直言〈In My Life〉是他第一首發自內心的真摯歌曲;至於之前的作品,都只是油腔滑調的膚淺音樂。

4.〈Yesterday〉

主要創作人:McCartney
錄製時間:1965年6月14日和17日
發行時間:1965年9月13日
連續11週排行榜冠軍

〈Yesterday〉是目前史上被翻唱最多次的歌曲,一切的創作靈感是來自一場夢境;但原本的歌詞卻是從一句「Scrambled Eggs」開始。

McCartney某次在提到這首歌的由來時,曾說:「在我的床旁邊放著一架鋼琴,突然間我夢到〈Yesterday〉的旋律;接著我倉皇地下床,用鋼琴彈下腦中的旋律後,就這樣完成了!我當時簡直不敢相信,這首歌的旋律竟然來得如此輕而易舉!」

而事實上,因為歌曲結構太完整,始終讓McCartney認為自己一定在某個地方聽過這首歌,一度讓他把作品束之高閣了好幾個月。後來他在偶然的機會下將這首歌彈給George Martin或Ringo 聽時,還反問他們:「這聽起來是不是很像某個歌曲?」

George Martin記得McCartney是在1964年1月時彈了〈Yesterday〉給他聽,當時Beatles還尚未前往美國。儘管McCartney表示是他憑藉自己的記憶,將〈Yesterday〉完成;然而Lennon則說這首歌是團員們一起花了好幾個月的時間才將它寫完。

而有很長一段時間,McCartney始終忘不了這段和〈Yesterday〉第一句有著相仿讀音的歌詞「Scrambled eggs/Oh, my baby, how I love your legs」(譯註:請見第二支影片,Paul和脫口秀主持人Jimmy Fallon的原音重現)。之後他在和女友Jane Asher共渡假日時,便完成了〈Yesterday〉整首歌的歌詞,並稱這首歌是他寫過最一氣呵成的作品。

但是McCartney在錄音時卻面臨了挑戰,根據George Martin解釋道:「這首歌不是三把吉他和一座鼓就可以解決掉的作品!我跟他們說:『先不要急著一開始就用吉他和人聲作開場,我們來試試看別的方法!』」-在試過幾次不同的方法後,包括有一次是加入Lennon的風琴彈奏,George Martin給了團員們一項有別於以往的建議:「我和Paul說:『如果我們把整首歌拿來以管弦樂伴奏呢?聽起來會別有另一番風味!』;但Paul卻回我:『噁!我才不要曼托瓦尼樂團的那種垃圾音樂;我不要那種又甜又膩的曲風編排!』-後來我想起過去做古典音樂的那些日子,然後再問Paul:『好吧!那如果換成是弦樂四重奏呢?你覺得如何?』」

不過McCartney還是沒被說動,他回憶道:「我記得那個時候就跟Martin說:『別鬧了!我們可是搖滾樂團耶!這主意我不喜歡!』-他則是回我:『試試看嘛!如果你不喜歡,頂多我們不要,再從吉他和你的部分開始著手!』-於是我就一邊彈著鋼琴,一邊和他討論整個樂曲編排;結果我們做到了!最後的成果我們都很喜歡。」

〈Yesterday〉象徵著Beatles在音樂上創新的精神,他們向全世界展示自己的搖滾樂,已從一開始青春期的狂躁,昇華為更加純熟優美的作品。

當〈Yesterday〉的錄製告一段落後,George Martin便和經紀人Brian Epstein商量,既然這首歌其他團員沒有參與其中,不如就將這首歌發行為Paul McCartney的個人單曲!但是Brian Epstein的回答,卻是:「在音樂上我們不區分任何一位團員,就是只有Beatles而已。」-在此同時,團員們對於〈Yesterday〉這首歌也沒有抱持太大的信心,所以在英國並未發行單曲。McCartney曾說:「〈Yesterday〉的出現讓我們覺得有點難為情;因為我們可是搖滾樂團耶!」

至於當時在美國代理Beatles專輯的Capitol唱片公司,則是將《Help!》電影原聲帶抽出好幾首歌,獨立發行成單曲;〈Yesterday〉便是其中之一,並在發行後迅速登上排行榜冠軍寶座。這首歌不僅相當受到歡迎,也被翻唱和錄製超過2500次,舉凡Ray Charles、Elvis Presley、Frank Sinatra,一直到卡通人物Daffy Duck(譯註:請見第三支影片);都曾唱過這首〈Yesterday〉。

雖然〈Yesterday〉大受好評,卻讓從頭到尾都沒參與到的Lennon,飽受困擾!他某次就曾開玩笑道:「我之前只要一去餐廳,裡面的人就會開始彈〈Yesterday〉給我聽;有一次我人在西班牙,某個傢伙用小提琴拉完〈Yesterday〉後,我甚至還在他的琴上簽名;那傢伙根本不知道我沒寫過這首歌!不過我想他大概也沒辦法在餐廳裡,逐桌地表演〈I Am the Walrus〉。」

3. 〈Strawberry Fields Forever〉

主要創作人:Lennon
錄製時間:1966年11月24日、28日和29日,12月8日、9日、15日、21日至22日
發行時間:1967年2月13日
連續9週排行榜第8名

1966年9月,Lennon在西班牙寫下這首〈Strawberry Fields Forever〉,當時他剛好是在當地獨自參與電影《How I Won the War》的拍攝工作。那是Lennon首次在拍攝期間沒有其他團員的陪伴,他的創作靈感反倒變得更加無拘無束,開始回顧起一些兒時的記憶。1968年,他告訴滾石雜誌:「我們正試著要寫些關於利物浦的東西,所以我就隨手列了幾個聽起來不錯的地點;不過我對Strawberry Fields的印象最為深刻,因為那裡是個隨時都能去的地方。」

Strawberry Field(Lennon在歌名裡多加了一個s)在利物浦當地是間孤兒院,地點距離Lennon的咪咪阿姨家很近,所以小時候被雙親拋棄的Lennon,常會翻牆過去,獨自一人在院內的大花園裡玩耍。
「我在念幼稚園的時候,算是一個很特別的小孩!」-他在1980年曾進一步解釋道:「我的人生始終都和別人與眾不同;就像我在第二段主歌歌詞所寫得那樣『No one I think is in my tree』。我的個性太害羞又常自我懷疑,其他人都不像我這樣特別;所以要不就是我太瘋癲,要不我就是天才,就像下一句歌詞講的『I mean it must be high or low』。以前我常覺得自己一定有問題,因為我總是能比別人發現更多不尋常的事物!」

Lennon在西班牙完成作品後,便回到英格蘭並表演了這首歌給其他團員聽。錄音師Geoff Emerick回憶道:「歌曲結束後,現場陷入一片寂靜;因為大家聽完都太驚訝了!最後Paul打破沉默,語帶敬意地簡單說了一句:『這首歌相當出色。』」

在那時,〈Strawberry Fields Forever〉還只是木吉他彈奏的版本,整個歌曲的感覺讓人想起Bob Dylan的歌曲〈It’s All Over Now, Baby Blue〉。等到歌曲一進了錄音室,又完全呈現出截然不同的面貌。Beatles在當年已從無止盡的巡迴演唱會中退出,所以空出更多的時間來錄製歌曲;他們花了兩個禮拜嘗試許多次 〈Strawberry Fields Forever〉的錄音,而McCartney則是使用最早的電子合成器-磁帶合成器,創作了前奏的部分。

在歌曲的組合上,Lennon想要第26個take的第一部分,以及之前錄過的第7個take的第二部分做結合,但這兩段在節奏以及音調上都是屬於完全不同步的狀態。於是George Martin就將其中一個部分稍微調快,另一部分則調慢;透過他在歌曲節拍以及音調上的處理,讓Lennon的歌聲在〈Strawberry Fields Forever〉裡如影子般縈繞不去,營造出一種永恆的超現實氛圍。至於結尾的地方則是用一些混雜的錄音片段所組成,Lennon在裡面還講了一句:「cranberry sauce」。這句話到現在仍讓擁護「Paul Is Dead」陰謀論的人堅信,他所說的是:「I buried Paul」。

Lennon的〈Strawberry Fields Forever〉和McCartney的〈Penny Lane〉皆是團員為了紀念兒時回憶裡的利物浦所譜寫的歌曲,而在兩首歌裡他們都使用了創新的錄音器材與技巧,配合受到迷幻藥啟發的天馬行空歌詞,預言著樂團未來音樂的新方向;另外,〈Strawberry Fields Forever〉也是《Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band》專輯計畫首支完成的作品。原本這兩首都準備做為專輯的主打,卻迫於EMI唱片公司所給的壓力,要求他們必須得發行成單曲;而距離他們上一張單曲的發行已是6個月前的事了。

最終他們決定在1967年2月將這兩首歌發行為雙A面單曲。不過George Martin在之後曾後悔將這兩首歌從專輯當中移除,並稱這項決定是他「從事音樂工作以來最大的錯誤」。

Lennon曾說:「成長是一種很可怕的事情-因為那只有你自己,跟任何人都無關。」Strawberry Field雖然最終在2005年關閉,但透過Lennon以歌曲的形式將兒時回憶記錄下來,這些人事物也在剎那間轉為永恆。

2. 〈I Want to Hold Your Hand〉

創作人:Lennon-McCartney
錄製時間:1963年10月17日
發行時間:1963年12月26日
連續15週排行榜冠軍

1963年,正當有著歡愉喧鬧曲調的〈I Want to Hold Your Hand〉,首次透過電視和廣播播放時,美國人民尚還壟罩在甘迺迪總統慘遭刺殺的陰影中。在之前Beatles的音樂還尚未引進美國,只是斷斷續續的進入當地;而英國的搖滾樂顯然對美國本土也沒有造成太大的影響。於是經紀人Brian Epstein就決定,如果Beatles在美國的排行榜拿下冠軍,他們將成為第一個登陸美國的英國樂團-接著〈I Want to Hold Your Hand〉的出現,讓Beatles的生活有了天翻地覆的改變。

McCartney在1987年曾說道:「幸好我們不知道美國是長什麼樣子!以前我們對這個國家的了解,就僅只於做夢幻想而已!我們或許是真的太膽小了!」-〈I Want to Hold Your Hand〉是Lennon和McCartney兩人待在Jane Asher父母位於倫敦住處時,用鋼琴譜寫出來的曲子;這首歌也讓美國人民首次了解到他們的創作才華。

Lennon之後曾說:「我記得當我們想要在歌曲裡運用那些和弦時,我們就哼出:『Oh, you-u-u/Got that something』,接著Paul跟著寫出一段和弦;我聽到後跟他說:『就是那樣沒錯!再來一次!』-那些日子我們就常照著這種方式,不斷討論的寫歌創作。」

George Martin曾說〈I Want to Hold Your Hand〉這首歌,是Beatles音樂生涯的第一階段高峰期-「他們剛成軍的時候,創作還不算很成熟,總是拿別人的音樂來寫歌!等到嘗過甜頭後,他們才了解自己真的能做得到,也讓他們可以接著寫出更好的作品。」

〈I Want to Hold Your Hand〉的節奏與整首歌的氛圍,讓當時許多樂團在翻唱時都難以掌握到要領。Lennon和McCartney在歌曲裡時而齊唱,時而又轉為和音,再加上Harrison弦彈演奏、Lennon自己的吉他riff,以及團員切分的擊掌聲;每個片段在歌曲裡都配合得恰到好處。

〈I Want to Hold Your Hand〉在當年11月下旬於英國發行時,挾帶著百萬張的預訂量,很快地就和上張單曲《She Loves You》,在排行榜冠軍上碰頭。至於在美國華盛頓,隨著有位年輕人希望當地DJ能播出這首歌後,也讓其他電台也千方百計想拿到這支單曲;連帶使得《I Want to Hold Your Hand》在聖誕節過後即火速上架,並在1964年2月1日衝上排行榜冠軍。

在達成排行榜冠軍目標後,Beatles在2月9日登上艾德蘇利文秀,吸引當地7千萬人口的觀看,創下當時電視史上最多人次收看的紀錄。George Martin就說:「那次真是空前的成功!」

當時的美國也不只是年輕人迷Beatles,部分傑出的藝術家也同樣拜倒在他們的拖把頭下-垮掉的一代文學巨擎Allen Ginsberg,在紐約某間俱樂部聽到〈I Want to Hold Your Hand〉後,便獻出自己的首次舞技;作曲家Leonard Bernstein對於Beatles在艾德蘇利文秀上的表現,曾狂熱地說道:「我愛上他們的音樂了!那難以忽視的節奏、如舒伯特般氛圍的音樂創新,以及睥睨一切的態度;他們儼然就是我們當今音樂的救贖。」

Bob Dylan也在那個時候剛發行專輯《The Times They Are A-Changin》,他看見Beatles的成功,曾在1971年時說道:「Beatles正在做以前的人從來沒做過的東西,而他們的和絃創作又是如此驚人!對我而言,他們的音樂絕對能一直繼續下去,並且成為這個領域的開路先鋒。」

1. 〈A Day in the Life〉

創作人:Lennon-McCartney
錄製時間:1967年1月19日和20日,2月3日、10日和22日
發行時間:1967年6月2日
未發行單曲

〈A Day in the Life〉是Beatles最具歷史性意義的歌曲。1970年,Lennon在回憶起《Sgt. Pepper》專輯錄製時,曾向滾石雜誌透露:「整個專輯到了這首歌,是最顛峰的時候。」-這首歌同時也是Lennon和McCartney共同創作的終極歌曲-「我和Paul兩個人絕對是合作無間,尤其是在〈A Day in the Life〉這首歌裡。」

1966年8月29日,Beatles在結束掉舊金山的演唱會後,便決定不再辦任何現場演唱會。由於樂團連續好幾個月都沒有發行新作品,流言蜚語始終圍繞著他們打轉。McCartney就曾說:「當時有些記者發現實在是太久都沒有我們的消息了;於是就利用這段空檔,開始修理我們!例如他們會說我們在音樂創作上已經江郎才盡,但我們知道這根本不是事實!」

Beatles用專輯《Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band》,在音樂上營造出迷幻的氛圍。但專輯最後一首歌〈A Day in the Life〉,卻呈現出一種整個世界已肢離破碎之感;搭配Lennon用他帶點鬼魅感的歌聲,唱著關於死亡的歌詞內容-這樣的呈現方式,被他稱做是「貓王回聲」;George Martin在1992年就曾說這是一個「冷到骨子裡」的歌聲。

歌詞靈感來源是來自Lennon某天在報紙上看到的新聞,以及他的個人經驗。歌詞「lucky man who made the grade」,指的是1966年12月,21歲的倫敦貴族Tara Browne死於車禍的新聞。至於另一句歌詞,他提到電影情節「the English army had just won the war」,指的是他自己所演出的電影《How I Won the War》當中的角色;而他也真的曾在每日郵報上讀到一篇關於蘭開夏郡的布萊克本,其馬路有著4000個凹洞的故事。(歌詞原文:I read the news today oh boy/Four thousand holes in Blackburn, Lancashire)Lennon一開始已寫好〈A Day in the Life〉的基本架構,卻感覺中間的部分仍需要加入一些不同的元素;剛好McCartney手邊已經有一段現成的歌曲片段,也就是「Woke up, fell out of bed」這句。Lennon提到這個部分曾說:「Paul對於這段覺得有點害羞,我想他大概認為我的那個部分已經夠好了!」-不過McCartney後來也想到可以邀請古典音樂樂手們一起加入這首歌的演奏,George Martin後來稱這個橋段為「管弦樂高潮」。

等到2月10日正式錄製歌曲的這天,現場儼然成為嘉年華會;參與的人包括Mick Jagger、Keith Richards、Marianne Faithfull和Donovan。他們用氣球布置整間錄音室,並讓管弦樂團員分別戴上派對帽、假鼻子以及大猩猩的爪子。George Martin和McCartney負責指揮現場,讓團員在彈奏樂器時,從最低的音調一路彈到最高音。

兩個禮拜後,Beatles為歌曲做最後的潤飾:就是歌曲結束時那段長達53秒的鋼琴敲擊聲。George Martin在Beatles的錄音室裡放著不少閒置的鋼琴,他把這些鋼琴一一拿出,連同他本人,以及Lennon、McCartney、Ringo以及演唱會助理Mal Evans,一起彈出E大調;再由錄音師Geoff Emerick將混音器的推桿弄到最大,才能收到全部的音軌;最後的音量大到都可以聽見Ringo的鞋子在地上吱吱作響的聲音。(譯註:約在下方影片4:50-4:52處,請將音量切換為只有右聲道播出,就可以聽見這段有趣的小插曲!)McCartney在要發行《Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band》專輯前的兩個月,前往了舊金山,並將尚未完成的〈A Day in the Life〉的帶子給了Jefferson Airplane的團員;最後這捲帶子竟傳到當地的搖滾音樂廣播電台KMPX內部裡,等到歌曲一播出,立即讓許多嬉皮人士聚集的海特黑什伯里社區陷入瘋狂。不過英國的BBC卻拒絕在電台上播出這首歌,起因於裡面有句關於藥物使用的歌詞「I’d love to turn you on」。

不過BBC的禁播理由也不算是完全不合理!McCartney就曾回憶道:「那時候Martin正要做一個關於這張專輯的電視節目,他問我:『你知道《Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band》專輯的靈感來源嗎?』-我說:『George,就兩個字;嗑藥、大麻!』-但他說:『不會吧!你們也不是一直都使用他們啊!』-最後我說:『毫無疑問的,我們確實是處於這樣的狀態;《Sgt. Pepper》就是一張關於嗑藥的專輯。』

另外,這首歌因為音樂架構和情感都過於強烈,導致當時一般的電台都鮮少播放;一直到Lennon過世之後的80年代,〈A Day in the Life〉晉升為Beatles最具代表性的音樂作品。而不僅是這首〈A Day in the Life〉,就以各個方面來說,Beatles的音樂造詣早已遠遠超越過其他人。

本文獲RoxyRocker編輯部授權刊登,原文發表於此

責任編輯:曾傑
核稿編輯:楊士範

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